La cultura mendocina se prepara para una noche de profunda emoción y memoria colectiva con la realización de Todas las voces, el espectáculo sinfónico y popular creado para homenajear a uno de los máximos exponentes de la identidad regional, fallecido recientemente tras más de seis décadas dedicadas a la defensa del folclore.

El proyecto artístico nació del impulso y la autoconvocatoria de músicos populares que compartieron escenarios, vivencias y amistad con el recordado cantautor durante décadas, luego de un emotivo primer reconocimiento realizado en la Legislatura provincial.

De aquel encuentro germinó la propuesta de llevar al escenario mayor del teatro el espíritu y el legado de su obra, entrelazando el talento de la Orquesta Filarmónica de Mendoza con un vasto entramado de voces e instrumentistas locales.

Bajo la dirección musical de Raúl Reynoso, el repertorio recorrerá las canciones emblemáticas que definieron el cancionero cuyano y latinoamericano. El público podrá vibrar y emocionarse al compás de obras entrañables como Tonada de otoño, Cueca de los menducos, El enamorao, La bailarina, Yolanda, Dale Nico!!!, Los duendes del vino y Caluyo del desierto, entre otras piezas fundamentales.

El ensamble instrumental estará compuesto por destacados maestros: Raúl Reynoso, Mario Galván en piano; Freddy Vidal en guitarra y arreglos; acompañados por los guitarristas Pablo Budini, Gustavo Bruno, Marcelo Méndez, Paulo Amaya, Diego Ferreyra, Fede Chavero y Sebastián Narváez; Marcelo Sánchez en bajo y una sólida base de percusión a cargo de Eduardo Ordóñez y Ricardo Vaccari.

La riqueza vocal del homenaje estará garantizada por una constelación de referentes de la música cuyana: Mónica Abraham, Jorge Giuliano, Anabel Molina, Omar Raúl Verón, Marcelino Azaguate, Fabiana Cacace, Roberto Mercado, Stella Torino, Javier Rodríguez, William Chavero, Carlos Méndez, Andrés Iacopini, Dúo Sentimiento, Lucho Aberastain, Ini Ceverino, Ángeles Asencio, Walter Ulloa, José Luis Miralles, Juan Carlos Romero y Pablo Budini.

A ellos se sumarán Juan Matías Arnulphi, Varón Álvarez, Claudio Brachetta, Pablo Torres, Enzo de Lucca, Patricia Cangemi, Dúo Oyarzabal-Navarro, Marcelo López, Sergio Martínez, Rubén Martínez, Jimena Semiz, Hermanas Abraham, Eduardo Campos y Alé Sosa.

Las entradas anticipadas para este acontecimiento histórico y cultural ya se encuentran disponibles a través de la plataforma Entradaweb.com.ar.

La cita será el sábado 12 de septiembre, a partir de las 21, en la sala mayor de la provincia, ubicada en Chile 1184 de la Ciudad de Mendoza.

La entrada Más de 30 artistas mendocinos unen sus voces para homenajear a Pocho Sosa se publicó primero en Piramide Informativa.

Más tarde ya crecido, cuando estaba trabajando en una tienda para ganarse el pan, escuchó asombrado cómo un cliente borracho recitaba a Homero en griego.

Así comienza para él, uno de los relatos épicos y más famosos de todos los tiempos: la Ilíada, escrita supuestamente por el poeta griego Homero en el siglo VIII a.C. Digo “supuestamente”, porque la verdad es que no ha quedado ninguna constancia de este autor más allá de las referencias vagas que nos brindan algunos autores.

En la actualidad se pone en duda la existencia del poeta, y algunos historiadores sostienen que, en realidad, Homero nunca existió. Sea como fuere, no cabe duda de que la Ilíada y la Odisea son los dos grandes relatos épicos de la civilización occidental, que han fascinado a artistas y escritores desde tiempos inmemoriales y que hoy 2026 sigue recolectando adeptos.

Schliemann estaba convencido de que la Troya que cantaba Homero había existido, y que solo bastaban los textos homéricos para encontrarla. Por supuesto, la obstinación del ya arqueólogo (se había doctorado en 1869) fue duramente desacreditada por sus colegas. Al año siguiente, el mismo en que recibe el doctorado, se divorcia de Ekaterina y se casa con Sophia Engastromenos, una joven griega 30 años más joven que él. En 1871 nace la primera hija de la pareja, Andrómaca y, en 1878, Agamenón, nombres que demuestran la obsesión que sentía Schliemann por la épica griega.

Su colega Frank Calvert, cónsul británico de los Dardanelos, le había hablado de la posibilidad de que la mítica ciudad se encontrara en Hisarlik, donde él ya había estado excavando con anterioridad. Schliemann no citó nunca a Calvert en sus memorias, y fue en Hisarlik donde el equipo de Schliemann encontró (siguiendo métodos que algunos expertos tachan de, como mínimo, dudosos) un tesoro de valor histórico incalculable: copas, anillos, pulseras y diademas, las mismas que lució Sophia, su esposa en la famosa fotografía, tomada el mismo año del descubrimiento.

Heinrich Schliemann no cabía en sí de gozo: afirmaba que había dado nada menos que con el tesoro de Príamo, el legendario rey de Troya. La excitación del hallazgo de la supuesta Troya había animado a Schliemann a seguir indagando y excavando otros enclaves.

Los trabajos arqueológicos de Schliemann no se detuvieron con el hallazgo de la “máscara de Agamenón”. Durante los últimos años de su vida siguió excavando en diversos puntos de Grecia, en los que realizó hallazgos notables. La muerte le sorprendió cuando regresaba a su querida Atenas, desde París. Una infección severa en el oído, que se le había extendido al cerebro, acababa con su vida el 26 de diciembre de 1890, a los 62 años. Sus restos reposan en un espléndido mausoleo de la capital griega, tal y como él había querido.

Su trabajo como arqueólogo fue duramente criticado ya en vida del propio Schliemann. Y no les faltaba razón a estas críticas, ya que no se puede negar que sus métodos fueron, como mínimo, poco ortodoxos. De hecho, algunas de las intervenciones del equipo de Schliemann (realizadas, según se cuenta, con dinamita) dañaron seria e irreversiblemente algunos de los estratos de las excavaciones. Por otro lado, existen voces que consideran a Heinrich Schliemann el primer arqueólogo moderno. Y, de hecho, las investigaciones posteriores han acabado dándole la razón, al menos en parte. Los trabajos que se han seguido realizando en Hisarlik han sacado a la luz los diversos estratos de una ciudad (nada menos que nueve en total) entre los que, según arqueólogos como Wilhelm Dörpfeld (1853-1940), podría encontrarse la mítica ciudad del poema homérico.

Este arqueólogo formó parte del equipo de Schliemann y continuó sus trabajos tras la muerte de este. Entre 1893 y 1894 descubrió que el estrato llamado “Troya VI” parecía haber sido destruido por un gran incendio. ¿Podía ser esta “Troya VI” la Ilión de Homero?

Como casi todos los personajes de la historia, la vida de Heinrich Schliemann está salpicada de luces y sombras. Es cierto que sus métodos fueron más que discutibles, y es aún más cierto que la fortuna que empleó para sacar adelante sus excavaciones no era fruto de negocios demasiado “limpios”. Pero, por otro lado, su innegable pasión y su constancia extraordinaria merecen, como mínimo, un aplauso. Heinrich Schliemann estará siempre ligado a Troya y a la Ilíada de Homero.

Gentileza:

Beatriz Genchi

Museóloga – Gestora cultural.

bgenchi50@gmail.com

Puerto Madryn – Chubut

La entrada Y así descubrí Troya – Por:. Beatriz Genchi se publicó primero en Piramide Informativa.

La entrada Mendoza será escenario de la segunda edición de FESTIM se publicó primero en Piramide Informativa.

La Subsecretaría de Cultura, dependiente del Ministerio de Educación, Cultura, Infancias y DGE, llama a la presentación de propuestas artísticas con motivo de la XVII edición del festival, a realizarse en diversas locaciones del territorio provincial del 19 al 24 de septiembre.

El propósito de la convocatoria es contribuir a la promoción y difusión de la música, en el género del tango, a partir de la riqueza particular de sus diversas expresiones musicales y considerando que el conjunto constituye un bien patrimonial intangible de la humanidad, que pertenece a todos y que, por ello, todos tienen derecho a acceder a ella.

Quienes presenten propuestas para la selección deben ser grupos o ensambles, en todos los casos, con música en vivo. Las propuestas deben ser integradas por dúos, tríos, cuartetos, quintetos y sextetos. Los músicos integrantes de las distintas formaciones solo pueden participar en dos propuestas/ensambles y deben ser residentes de la provincia de Mendoza.

Podrán inscribirse a partir de la publicación del llamado y hasta el viernes 4 de septiembre de 2026, a las 23.59, inclusive.

La propuesta musical debe estar enmarcada dentro del estilo tango, desde las composiciones de tango tradicional hasta las que responden a un lenguaje musical contemporáneo, el cual deberán adjuntar el repertorio completo del concierto y que, en caso de ser seleccionada, no podrá ser modificado.

El monto de cachet a pagar será:

• para dúos $273.000;
• para tríos $512.200,
• para cuartetos $682.500,
• para quintetos $854.100,
• para sextetos o más integrantes $1.027.000.

El jurado evaluador está integrado por Pablo José Giménez Zumbo, en representación del MIMM (Movimiento de Músicos Independientes); Zaharay Graciela Ortega, como representante de la Asociación Músicos de Cuyo de Mendoza; Carlos Fernando López, como representante de la Subsecretaría de Cultura, y Héctor Ángel Buzzalino, representante del medio artístico con vasta experiencia en la temática del festival.

Las propuestas deberán ajustarse a lo dispuesto en las bases y la sola presentación de las propuestas implica por parte de los interesados el total consentimiento y aceptación de las condiciones y especificaciones.

Más información e inscripciones

 

La entrada Abre la convocatoria para participar en el festival Tango por los Caminos del Vino 2026 se publicó primero en Piramide Informativa.

Azul Saturno es la impactante obra de Isaac Flores que rompe los moldes del teatro convencional y se sumerge en las profundidades de la angustia, el dolor y las emociones más crudas de la juventud.

Cuatro jóvenes: Francisco Tonidandel, Franchesca Scordo, Denis Vargas y Noel Aloy se enfrentan al público con una honestidad desarmante. A través de un profundo entrenamiento y exploración vocal guiados por la coach Giuliana Mattiazzo, sus voces no solo expresan palabras, sino también quiebres, silencios y matices emocionales que intensifican cada diálogo.

Directos y descarnados, pintan un paisaje interno marcado por los traumas, las dudas existenciales y la silenciosa amenaza del suicidio, sin maquillajes ni moralejas.

Azul Saturno es la única propuesta de teatro de oralidad en la provincia, una experiencia donde las palabras toman protagonismo feroz, acompañadas por audiovisuales que funcionan como una vía de escape ante lo insoportable del relato.

En la dramaturgia de Flores, las reflexiones positivas quedan al margen, permitiendo que la melancolía y la vulnerabilidad se expresen con toda su fuerza.

El equipo creativo, también conformado por Ludmila Espinoza en el diseño lumínico y April Andrada como operadora técnica de luz y sonido, trabaja en sintonía para reforzar la crudeza y la poesía del relato, llevando cada detalle técnico y artístico a su máxima expresión, todo esto bajo la producción de Agustín Lorenzo.

La pieza no es solo una obra de teatro, es un espejo incómodo, un grito ahogado y un viaje a las emociones más profundas de una generación que lucha por encontrar sentido en medio del caos.

Además, el jueves 10 de septiembre se repondrá la obra en la Sala Vilma Rúpolo del Espacio Cultural Julio Le Parc.

La entrada general es de $15.000 y hay disponible una promoción de 2 entradas por $24.000. Pueden adquirirse en Entradaweb.com

La entrada Le Parc recibe una obra sin precedentes, “Azul Saturno”, la melancolía de un cielo sin estrellas se publicó primero en Piramide Informativa.

Los estrenos de “La Odisea” de Christopher Nolan y “La muerte de Robin Hood” (próxima a estrenarse por acá, solo vi algunos pasajes)  de Michael Sarnoski ilustran bien cómo el cine de alto presupuesto que pretende al mismo tiempo dotarse de un aura de “prestigio” ha abrazado cierta estética muy reconocible de colores lavados.

Esto puede apreciarse si se contrapone el último Robin con el que encarnó Errol Flynn en 1938, o la versión del clásico de Homero acometida por Nolan con la de Mario Camerini de 1955, donde Silvana Mangano aparece bañada en una luz verde esmeralda.

Pero no se trata de casos aislados: solo en las últimas temporadas, sucedía lo mismo en otras películas de ambientación histórica como Macbeth (2015), Lady Macbeth (2016), El rey (2019), El hombre del norte (2022) o Cumbres Borrascosas 2026. Y el año pasado “Hamnet”, de Chloé Zhao, acudía a la carrera de los Óscars con ese mismo registro visual como estandarte. Mientras ocurría lo propio, en la Europa continental, superproducciones francesas y también españolas.

En todos esos casos, la ausencia de colorido comunica que estamos ante una película importante… apta al mismo tiempo para la carrera de premios y el triunfo en la taquilla. Así lo sugería el artista y estudioso David Batchelor en su libro “Cromofobia”, publicado en el 2000: “Esta expulsión del color suele llevarse a cabo de una de estas dos maneras. En la primera, el color se atribuye a algún cuerpo ‘ajeno’: normalmente lo femenino, lo oriental, lo primitivo, lo infantil, lo vulgar o lo patológico. En la segunda, el color queda relegado al ámbito de lo superficial, lo accesorio, lo prescindible o lo cosmético. En el primer caso, el color se considera algo extraño y, por tanto, peligroso; en el segundo, se percibe simplemente como una cualidad secundaria de la experiencia y, por ello, indigna de una consideración seria”.

Todo lo contrario de lo que se observaba en los inicios del cine en color. Filmes como “El mago de Oz” (1939) o “Lo que el viento se llevó” (1939) fueron grandes espectáculos en technicolor que adaptaban novelas de renombre y aspiraban a los mismos objetivos que las antes mencionadas. Aquella tecnología proporcionaba una paleta de una desmedida exuberancia, pero, al ser reemplazada por otras que permitían calibrar mejor la saturación, no se perdió el cromatismo. Pienso en el tope de colorido en “Doctor Zhivago” que sería hoy impensable.

Aún durante las últimas décadas del siglo XX, las triunfadoras en los premios de la Academia continuarían por esta senda: “Amadeus”, “El último emperador” (aquí los rojos y dorados de la fotografía de Vittorio Storaro adquieren la cualidad de un incendio), “Danza con lobos” son solo algunos ejemplos. En su especie, quizá “Shakespeare in Love” supuso el canto del cisne: aquel 1999 ganó la batalla de los Óscars.

Ya “El Pianista” (2002) de Polanski presentaba una tonalidad más mortecina, y no digamos “El señor de los anillos”. Pero la tendencia se ha acelerado en la última década, como muestra el caso de Ridley Scott, antaño caracterizado por un rico pictoricismo y hoy usuario infalible del filtro “crudo” en sus films de época.

“¿Eres el bardo de una civilización en el ocaso?”, le preguntaba precisamente en un podcast a Christopher Nolan la investigadora china Zhong Shu. Si lo es, estamos ante la puesta de sol más incolora de la Historia. El ejemplo de La Odisea resulta especialmente gráfico porque remite al gran malentendido que durante siglos existió sobre el arte de la Antigüedad griega. Los primeros estudiosos que en el siglo XIX insinuaron que aquellos mármoles estaban originalmente pintados de vivos colores fueron recibidos con escepticismo o burla. Pero tenían razón: tan vivos eran que hoy nos parecerían abiertamente kitsch, dijera lo que dijera antes el historiador neoclásico Johan Joachim Winckelmann, que había erigido sus teorías sobre una supuesta blancura griega. Las aventuras de Odiseo transcurren en la Edad del Bronce, siglos antes de la Grecia clásica, pero para entonces la cultura material del mundo egeo ya era multicolor.

Cuando debían recrear épocas pasadas, muchos directores del cine de autor internacional del siglo XX recurrieron a la abundancia de color como una herramienta expresiva más, utilizada de manera sensible y meticulosa: lo hicieron Visconti, Fellini, Kurosawa, Kubrick o Eric Rohmer, que en Perceval le Gallois imaginaba una Edad Media tan brillante como cualquier libro de Horas de la época.

Ingmar Bergman hizo de las paredes carmesí del decorado de a” Gritos y susurros” un manifiesto estético. Así que no siempre se cumplió esta premisa según la cual el color se asociaba a lo frívolo o lo exótico. Que viene a ser lo mismo desde una óptica patriarcal: baste recordar el reciente duelo en las taquillas entre la ultracolorida “Barbie” de Greta Gerwig y un “Oppenheimer” también dirigido por Nolan con predominancia de matices sombríos. Hoy en día, resisten en el lado colorista de la vida Pedro Almodóvar o Luca Guadagnino (quizá se les “consienta” por ser autores abiertamente homosexuales y que por tanto convergen con las expectativas al respecto).

Puede interpretarse de todo esto que el cine histórico no intenta tanto representar el pasado como hacerlo compatible con las inquietudes y la sensibilidad visual contemporáneas, algo que en realidad ha ocurrido siempre. Pero esto se asume como norma hasta tal punto que, muy probablemente, si un director fotografiara la Grecia arcaica con el verde de las copas de los olivos, el azul del Mediterráneo y los rojos y amarillos de los pigmentos originales, su película se compararía con un anuncio de perfumes, si no con algo aún más bajo en la escala cultural.

Pronto aquella búsqueda de una manera antiacadémica de abordar los filmes de época acabaría derivando en un nuevo academicismo, en el que la estética propia del fotoperiodismo de guerra y las cámaras digitales se emplea para representar tiempos que, según sabemos gracias a la historia del arte y la arqueología, fueron mucho más coloridos. Así hasta hoy, y más allá.

En el fondo, el cine se obstina en ver la Antigüedad con los ojos de Winckelmann, por mucho que la ciencia lleve dos siglos demostrando su error.

Gentileza:

Beatriz Genchi

Museóloga – Gestora cultural.

bgenchi50@gmail.com

Puerto Madryn – Chubut.

La entrada Hollywood se ha vuelto tan gris! – Por:. Beatriz Genchi se publicó primero en Piramide Informativa.

La entrada Malargüe presentó el primer libro que reúne la poesía y la canción cuyana de autores locales se publicó primero en Piramide Informativa.

Y dice: “Yo escribo sobre mis rodillas, en una tablita con que viajo siempre, y la mesa escritorio nunca me sirvió para nada ni en Chile ni en París ni en Lisboa.

Escribo de mañana o de noche y la tarde no me ha dado nunca inspiración, sin que yo entienda la causa de su esterilidad o de su mala gana respecto de mí.

Creo no haber hecho jamás un verso en cuarto cerrado, ni en cuarto cuya ventana diese a un horrible muro de casa urbana. Siempre me afirmo en un pedazo de cielo, que Chile me dio azul y que Europa me da borroneado. Mejor se ponen mis humores si yo afirmo mis ojos viejos en una masa de árboles tiernos.

Mientras yo fui criatura estable en mi raza y mi país, escribí lo que veía o tenía muy inmediato. Escribí, como quien dice, sobre la carne caliente del tema. Desde que soy criatura vagabunda, desterrada voluntaria, parece que no escriba sino en el medio de un vaho de fantasmas.

Todo el mundo, el aire, el cielo y la tierra se me han vuelto pura saudade. La tierra de América y la gente mía, viva o muerta, se me han vuelto un cortejo melancólico pero muy fiel, que más que envolverme me forra y me oprime, y rara vez me deja ver realmente el paisaje y la gente extranjera.

Escribo sin prisa generalmente, y otras veces con una rapidez vertical, de rodado de piedras en la cordillera. Me irrita en todo caso detenerme y tengo siempre al lado cuatro o seis lápices con punta, porque soy bastante perezosa, y tengo el hábito regalón de que me den todo hecho excepto los versos.

En el tiempo en que yo me peleaba con la lengua exigiéndole una tremenda intensidad, me solía oír a mí misma mientras escribía un crujido de dientes muy colérico. El rechinar de la lija sobre el filo romo del idioma. Ahora ya no me peleo con las palabras sino con otra cosa. He cobrado el disgusto y el desapego de mi poesía cuyo tono no es el mío, por ser demasiado enfático. No me excuso sino aquellos poemas donde reconozco mi lengua hablada, eso que llamaba don Miguel el vasco, la lengua conversacional.

Corrijo bastante más de lo que la gente puede creer, leyendo unos versos que aun así me quedan bárbaros.

Salí de un laberinto de cerros y algo de ese nudo sin desatadura posible queda en lo que hago, sea verso o sea prosa.

Escribir me suele alegrar. Siempre me suaviza el ánimo y me regala un día ingenuo, tierno, infantil. Ando trayendo la sensación de haber estado por unas horas en mi patria real, en mi costumbre, en mi suelto antojo, en mi libertad total. Esos días en que hago alguna poesía, buena o mala, mi ánimo es el de quien estuviera casado con una muchedumbre de criaturas, casada con el mundo.

Me gusta escribir en cuarto pulcro, aunque soy persona harto desordenada. El orden parece regala espacio y este apetito de espacio lo tienen mi vista y mi alma. En algunas ocasiones he escrito siguiendo un ritmo recogido en un carro que iba por la calle lado a lado conmigo. O siguiendo los ruidos de la naturaleza, que de más en más se me funde en una especie de canción de cuna. Pinares, marejada, ruido de álamos, todo eso al llegar a mi oreja viene, solamente viene, en un ritmo de canción de cuna.

Por otra parte, tengo todavía la poesía anecdótica que tanto desprecian los poetas mozos. La poesía me conforta los sentidos y eso que llaman el alma, pero la poesía ajena mucho más que la propia. Ambas me hacen correr mejor la sangre, me defienden la infantilidad del carácter, me anidan y me dan una especie de asepsia respecto del mundo.

La poesía es en mí sencillamente un rezago, un sedimento de la infancia sumergida. Aunque resulte amarga y dura, la poesía que hago me lava de los polvos del mundo y hasta de no sé qué vileza esencial, parecida a lo que llamamos el pecado original, que llevo conmigo y que llevo con aflicción”.

Este tipo de escritos bellos y breves, ensayos o apuntes autobiográficos suelen incluirse dentro de antologías de su obra poética y en prosa.

Gentileza:

Beatriz Genchi

Museóloga – Gestora cultural.

bgenchi50@gmail.com

Puerto Madryn – Chubut.

La entrada ¿Cómo hacer unos versos? – Por:. Beatriz Genchi se publicó primero en Piramide Informativa.

La Asociación Amigos del Legado del General José de San Martín y la biblioteca pública de la provincia invitan a toda la comunidad a disfrutar de la proyección del histórico filme El Santo de la Espada. La cita tendrá lugar el lunes 24, a las 18.30, en las instalaciones de la Biblioteca Pública General San Martín, ubicada en Av. San Martín 1843 de la Ciudad de Mendoza. La entrada es gratuita y la actividad cuenta con la coordinación de Mario Anzorena.

Rodada íntegramente en la provincia de Mendoza en 1969, la obra dirigida por Leopoldo Torre Nilsson es considerada por numerosos historiadores como un verdadero icono de la filmografía argentina y un invaluable documento histórico que retrata el desarrollo de la vida productiva local de aquella época.

El Día del Padre Mendocino se celebra cada 24 de agosto, oficializado en la Ley Provincial 5131. Esta fecha conmemora el nacimiento de Mercedes Tomasa de San Martín y Escalada, la única hija del general José de San Martín y Remedios de Escalada, nacida en la provincia de Mendoza en 1816. Rinde homenaje al Padre de la Patria no solo por su rol histórico, sino también como un padre dedicado que educó a su hija con firmes valores.

Sobre la obra

El largometraje relata la vida del Padre de la Patria, el General José de San Martín, héroe nacional de Argentina, Chile y Perú, abarcando desde su llegada a Buenos Aires en 1812, su matrimonio con María de los Remedios de Escalada, hasta su exilio definitivo tras la histórica entrevista en Guayaquil. La trama recorre las campañas libertadoras y las batallas más destacadas del proceso de independencia sudamericana de la corona española.

Ficha técnica

Título original: El Santo de la Espada

Año: 1970 (estreno)

Origen: Argentina

Género: Drama / Histórico (Siglo XIX)

Dirección: Leopoldo Torre Nilsson

Guion: Leopoldo Torre Nilsson, Beatriz Guido, Ulyses Petit de Murat y Luis Pico Estrada (sobre la novela de Ricardo Rojas).

Reparto principal: Alfredo Alcón, Evangelina Salazar, Lautaro Murúa, Héctor Alterio, Alfredo Iglesias, Leonor Benedetto, Ana María Picchio y Héctor Pellegrini.

Música: Ariel Ramírez.

Fotografía: Aníbal Di Salvo.

Compañía productora: Producciones Maipú.

La convocatoria es para este lunes 24 de agosto, a las 18.30, en la Biblioteca Pública General San Martín, ubicada en Av. San Martín 1843 de la Ciudad de Mendoza. La entrada será gratuita.

La entrada Se proyectará la película «El Santo de la Espada» en el marco del Día del Padre se publicó primero en Piramide Informativa.

Este sábado 22 de agosto, desde las 19, el Teatro Roma será escenario de “Nuestras Raíces en Escena”, una propuesta organizada por el Municipio de San Rafael para celebrar el Día Internacional del Folklore con música y danzas tradicionales.

La entrada San Rafael celebra el dia del Folklore se publicó primero en Piramide Informativa.